Il 15 Settembre 2009 verrà inaugurata alla Galleria Delloro una mostra delle opere più recenti di Anna Galassini che, in maniera significativa, mettono in luce l'evoluzione personale compiuta dalla giovane promettente artista, in special modo nell'ultimo anno. Si può constatare il passaggio da un modo di dipingere a campiture molto ampie ad una riduzione quasi minimale delle stesse; questi ultimi quadri sono concepiti attraverso una serie di linee, a volte più rade, a volte più fitte su un campo grigio, nel quale colori e segni si mostrano unicamente attraverso quella determinata composizione: ogni elemento che lo spettatore coglie, se isolato, non avrebbe la stessa valenza segnico-cromatica che acquista nella disposizione attenta della pittrice. Sulle tele coperte da una materia neutra, quasi monocromatica, intervengono dei solchi che tagliano in orizzontale o in verticale tutta la superficie. All'interno di questa struttura emerge il colore che deborda, intenso, in ogni anfratto di superficie libera. E' il substrato, il quadro sottostante, che manifestandosi determina la dimensione spazio-temporale dell'ammasso materico che lo imbriglia e lo costringe: una metafora della nostra psiche dove il subconscio si insinua in ogni scelta umana apparentemente consapevole e razionale. La luce rappresenta in questo contesto la casualità dell'esistenza umana, si riflette sulla materia e sul colore ogni istante in maniera diversa. La Galassini basa il proprio creare su una profonda conoscenza della “ Critica della capacità di giudizio” kantiana dove il giudizio di gusto inteso come Mittelglied, cioè quale collegamento tra l'idea del sovrasensibile, che la ragione teoretica pensa come sostrato inconoscibile della natura da essa conosciuta scientificamente e l'idea del sovrasensibile, a cui la ragion pratica risale a partire dall'esperienza della legge morale e della libertà che quest'ultima implica, diventa una nuova possibilità di conoscenza e di comunicazione che pone intelletto e immaginazione in libero gioco. L’arte è quindi ricerca della bellezza non come “forma bella” bensì come processo di fruizione del bello, come riscoperta della natura umana sospesa tra finito e infinito, tra soggettivo e oggettivo,tra materiale e spirituale, tra profano e divino. Nella trattazione kantiana il giudizio di gusto si fonda sul presupposto di una comunicabilità universale, ma come si possa realizzare concretamente dipingendo il libero gioco fra intelletto ed immaginazione, questo è un interrogativo che solo il genio, con pratica assidua, può riuscire ad affrontare e risolvere. Grazie allo studio e alla rielaborazione dell'estetica del grande filosofo, Anna Galassini sviluppa una forte consapevolezza del ruolo attivo dell'artista nel panorama socio-culturale del proprio tempo e, parallelamente, getta le basi di una pittura solida capace di superare il limite “estetico-soggettivo” del bello, non solo per mezzo dell'uso sapiente delle cromie sul piano emozionale, ma anche sul piano gnoseologico-esperienziale, nella costante rielaborazione e sperimentazione di tecniche pittoriche diversificate. Possiamo considerare quindi le opere in mostra a Roma dei sentieri che, in sintonia con la definizione di Heidegger, si “inoltrano nel bosco dell'essere”, ed ogni sentiero “in quanto cammino della ricerca umana è ad un tempo via e sviamento, avanzamento e smarrimento”. Attraverso questo metodo analitico di fare pittura viene proposta allo spettatore una visione manichea dell'opera e della vita: i segni sono, contemporaneamente, presenti e assenti, sia a livello visivo che a livello concettuale. A livello visivo le linee sono materia che è stata asportata e quindi “assenza”, per contro, sono il colore sottostante e quindi “presenza” di ciò che è altro da sé stesso. A livello concettuale questi solchi irregolari nella materia rappresentano il limite e la possibilità dell'agire umano e quindi, implicitamente, della possibilità e della fruibilità dell'opera d'arte. Le linee così create e concepite assumono un significato preciso: sono il confine tra il bene e il male, tra la vita e la morte, tra la gioia e il dolore. Ad un livello ancora più profondo, esse rappresentano l'impossibilità che ogni cosa esista senza il suo contrario, diventano da rappresentazione della razionalità a possibilità dell'inconscio di realizzarsi, non come sotterfugio, ma in maniera cosciente. E' il “ritorno alla terra”, ai genuini istinti vitali tanto professati da Nietzsche, l'accettazione totale del proprio destino come incessante divenire; l'artista consapevole si ritrova in un mondo dove “Dio è morto”, ma dove tutto è umanamente possibile in quanto “comunicabile”. In questi quadri l'impalcatura razionale dalla quale emerge il colore, diventa la chiave di lettura dell'opera che non comunica unicamente sul piano emotivo, come tanta pittura informale, e neppure in un rapporto lineare tra significante e significato, ma instaura una connessione di rimando tra artista e spettatore in cui la riflessione è determinata dallo spazio-tempo creativo di una coscienza comune e dove ogni elemento assume valore unicamente nelle disposizione armonica del contesto pittorico. E' come se l'artista volesse esporre, attraverso l'opera così strutturata, una situazione reale, non solo dialetticamente pensata. Questo modus operandi non è altro che la manifestazione dell'auto-riflessione dell'artista, “la volontà che crea” e si rivela in tutta la sua “dinamicità”, non nel senso di movimento frenetico, quanto più come uno “luogo” vissuto attraverso l'intensità della percezione: il quadro si apre, in ogni istante della sua contemplazione, a possibilità interpretative differenti, ogni volta che viene osservato. Anna Galassini, grazie alle sue grandi doti pittoriche sopra descritte, colloca lo spettatore in una realtà di tipo riflessivo-conoscitivo che non può prescindere dai condizionamenti esterni del soggetto creatore, ma che li accetta come parte integrante della vita e della creazione stessa. In queste opere della giovane pittrice si evince quindi il rifiuto totale dell'arte oggetto e l'affermazione forte dell'arte come possibilità: l'opera come una sorta di campo visivo e mentale allo stesso tempo, dove la luce, il colore e la superficie diventano un unicum e si intrecciano e si separano senza che nessun elemento possa prevalere sull'altro, e dove, questa fusione alchemica, attraverso la rievocazione della linea, diventa l'unica via per conoscere, creare e comunicare. Elena Galassini “Arte contemporanea” Bimestrale d’informazione e critica d’arte, Anno IV, numero 19, Settembre-Ottobre 2009

L’opera di Anna Galassini presenta ad una analisi attenta tutta una serie di questioni che permettono una lettura stratificata di sensi, quasi una sorta di palinsesto, di sovrapposizione di significati che vanno oltre l’apparato aniconico che l’artista adotta in senso espressivo. Intanto è individuabile nell’opera una sorta di partizione triadica, espressa attraverso l’adozione del colore, della materia e del segno, elementi che fungono da architettura visiva per tutte le sue composizioni, poiché di costituzione formale di stampo architettonico si tratta. Non semplicemente per l’assunzione della forma geometrizzante, che l’artista squaderna in molte sue opere, quanto per una coerenza formale interna che considera analiticamente, anche se mediata da una decisa espressività, lo spazio della tela, i rapporti tra pieni e vuoti e le proporzioni tra materia e colore. Direi che forse per un eccesso di traslato metaforico, i suoi dipinti possono anche dirsi carnali, in una accezione quasi desumibile dalle definizioni di una anatomopatologia dell’immaginario, una sorta di analisi del tessuto vitale. Anzitutto il segno che si rivela quasi come un graffio, un superficiale ferita tracciata sull’epidermide della materia; la valenza segnica è adottata nel senso di un ordine analiticamente tracciato che riequilibra la massa dilagante che l’accoglie, lo mantiene e lo esplicita. La materia, sempre in questa ipotesi analogica, ha la consistenza del tessuto epidermico e come questo si raggruma, si corruga, divenendo sostanza dell’espressione; riempie la maggior parte dello spazio dell’opera, appunto come una pelle che ricopra il corpo avvolgendolo in una sorta di protettiva guaina. Se come afferma Galimberti parlando del corpo, il tessuto epidermico è quello che lo espone al contatto del mondo, è il luogo attraverso il quale il corpo viene ad essere al mondo e ad interagire con esso, anche nella pittura della Galassini, la materia è l’intersezione dell’opera con lo spazio, il suo rilievo lo invade e permette al quadro di essere, di manifestarsi attraverso una sostanza definita e tangibile. Il colore a sua volta, anche per la modalità con cui si presenta, sottende una sorta di analogia con la superficie carnale che appare una volta strappata l’epidermide (difatti deborda da una materia che è letteralmente incisa e strappata) La vivacità cromatica attiene e trova analogie con i tessuti sottocutanei, vivacemente colorati, rispetto alla quasi monocromia epidermica; è dunque un corpo quello che l’artista evoca? Certamente non è ascrivibile ad una sorta di mimesi figurale, ma tuttavia rende possibile una metonimica analogia. Naturalmente questa è una possibilità ermeneutica, ma ciò che appare sostanziale è senz’altro il senso e l’assetto formale del suo lavoro che può leggersi anche da una prospettiva più precisamente pittorica. Possiamo ripartire dalla sottotraccia, il colore che affiora, che deborda dalle slabbrature della materia, è propriamente colore, esteso nella gamma più ampia delle sue cromie, tracciato a volte con precisione quasi chirurgica, altre con un senso dinamico, che mescola le tinte in un processo quasi autogenerativo. Le colate di colore si sovrappongono, si miscelano in un continuo debordare delle une sulle altre, sino ad arrivare ad una tessitura cromatica di decisa intensità. La materia si dà come superficie sensibile alla luce e movimentata da questa, attraverso il suo corrugarsi e distendersi. Il rapporto fra materia e colore è generato da un gesto che strappa la prima per mostrare il sostrato vivacemente cromatico, un gesto che, se pur altamente espressivo, non dimentica la forma. La forma assume un dettame di chiaro impianto geometrico, seppure irregolare, ridefinendo lo spazio materico entro un limite pienamente organizzato. E qui si instaura un interessante paradosso formale; è lo strappo, quindi una mancanza che permette al colore di manifestarsi in superficie, ma l’esibizione del sostrato cromatico, fa sì che la materia grumosa acquisti una forma, assuma una precisa identità figurale, anche se di tipo geometrico. Ma un altro elemento significativo ridefinisce e rende dialettica ancora di più la questione formale:il segno. Questo a volte assume il senso di ordinatore della superficie dell’opera attraverso una quadratura che ridefinisce gli spazi e le proporzioni; a volte invece suggerisce attraverso l’intersecarsi delle diagonali, un centro ideale, quasi a sottolineare che, il debordare del colore che preme sotto la materia avvolgente non può leggersi solo in senso percettivo, ma va anche pensato, attraverso una concettualizzazione dello spazio, analiticamente dichiarata dal segno stesso. Sostanzialmente nella suddivisione già suggerita possiamo individuare una ulteriore tripartizione tipologica: il colore nella sua estensibilità debordante attiene ad una condizione più decisamente emotiva, pulsa attraverso la vibrazione cromatica, suggerendo quasi una condizione magmatica non contenibile. La materia è la carne, l’opaca sostanza che occulta e disvela, che nega ed evidenzia, pur possedendo una propria pulsante consistenza suggerita dal digradare della superficie, che attraverso lo scorrere della luce, si corruga e si distende. Il segno è sia grafia connotata in senso espressivo, che ratio, atto concettuale che ridefinisce lo spazio, descrive i suoi limiti, suggerisce l’atto attenzionale e percettivo da adottare nella lettura del quadro. Anche in questo caso l’attitudine geometrica non si risolve in una mera suddivisione della superficie, perché a ben guardare non si vuole affermare con un segno costitutivo di senso assertivo, quanto invece suggerire un possibile ordine che rimane comunque nell’ambito delle possibilità dell’opera. Inoltre c’è una continua dialettica tra la tripartizione degli elementi; a volte è la materia che geometrizza la superficie, come nel dipinto costituito da due quadrati sovrapposti, individuando in questo caso anche la suddivisione dello spazio stesso, attraverso lacerazioni, che mostrano il colore sottostante e che definiscono anche gli assi strutturali delle due figure geometriche. A volte invece è il segno che si pone come elemento ordinatore, come nel dipinto in cui le linee verticali e quelle orizzontali, formano un reticolo e definiscono il centro, determinato dalle diagonali, suggerendo uno spazio entro il quale la materia si dispone. Altre volte è il colore, pura evocazione del sostrato cromatico ottuso dalla materia, che suggerisce, definisce e dichiara la forma facendosi quasi limite perimetrale di uno spazio che la materia invece subisce. L’opera della Galassini va quindi letta a più livelli e come tutte le opere che portano un senso, diviene quasi una sorta di palinsesto interpretativo che rivela ad ogni lettura uno strato ulteriore di senso. Maurizio Cesarini “Arte contemporanea” Bimestrale d’informazione e critica d’arte, Anno IV, numero 17, Marzo-Aprile 2009

La poetica espressiva di Anna Galassini è riconducibile ad un’anemica rappresentazione della realtà, quasi ci fosse l’impellente necessità di indebolire le arterie del sistema complessivo della vita, riducendolo ad un vibrante teorema di forme e tonalità astruse e minimalizzate. Se pensiamo ad un linguaggio delle lettere anziché delle forme e del colore, quello di Anna Galassini è un linguaggio poetico-nostalgico che ci narra storie vissute in epoca recente; ricordi, appunti, sensazioni e narrazioni. Ciò nonostante non vi è nessuna riconduzione al dato reale, ma bensì alla sua palese astrazione e decontestualizzazione, frutto di progressive addizioni e sottrazioni di curve, algoritmi, parabole. La pittura della Galassini, in effetti, ci riporta alle confuse memorie di un preciso fatto attraverso l’utilizzo di un linguaggio criptato ma assolutamente visibile, dove i racconti esistono e si intrecciano, talvolta scarabocchiati in precisi punti del campo pittorico. Queste nuove “narrazioni”(*) testimoniano l’evoluzione stessa del linguaggio pittorico, ma ne confermano anche l’intrinseca autenticità di pensiero e quindi di dialogo. Emerge una spontanea carica espressivo-documentativa del saggio pittorico che trae linfa vitale proprio dai luoghi in cui si forma il ricordo, e forse il pensiero stesso. Questo fare artistico è quello che si dice una “narrazione spazio-temporale” dei vari luoghi legati al proprio vissuto, naturalmente sintetizzati e metabolizzati dall’esclusivo imprinting pittorico. Ma se questo operare ci appare indissolubile e costante nella sua evoluzione, il genio creativo, al contrario, non è mai stabile: al punto che l’azione pittorica sembra non bastare più, sconfinando quasi impercettibilmente nell’era digitale e indicando quello che definirei un nuovo periodo “post-pittorico” all’interno della pittura stessa dell’artista. L’azionismo umano sembra ora confondersi agevolmente tra le nuove aree cromatiche simulate dalla trasposizione digitale: compaiono le prime “finzioni” che a malapena si distinguono dall’autenticità pittorica. In fondo questi labili confini rappresentano uno dei temi più importanti del nostro tempo, come quello della “crisi dell’identità” che trova fertile terreno proprio nel mimetismo e nel camuffamento ideologico di massa. Difficile risulta la distinzione di queste varie metodologie pittoriche nel campo d’azione della tela (pittura analogica-pittura digitale), come difficile risulta l’identificazione delle caratteristiche reali dell’essere umano, sempre abilmente celate in elaborate mistificazioni medianiche. E come accade nella vita reale dell’uomo la pittura ci riserva pure il suo spettro o la sua palese immaterialità riconducibile sempre, nell’Arte di Anna Galassini, ad un certo spirito drammaturgico. (*) Riferite all’esperienza espositiva presso la galleria “The Empire” di Londra (2007). Pieve di Soligo, 15 maggio 2008 Presentazione a cura di: Stefano Mitrione Docente di Arti Visive Multimediali applicate alla comunicazione sociale contemporanea.

Ho colto, nei dipinti di Anna Galassini, una qual ansia di poesia in alcune nubi rosate che si dissolvono in oro opaco, nell’azzurro di un cielo mattinale. Sembra voglia parlare soltanto di loro, senza legarle con null’altro che non il proprio colore, in un modo tenue, silenzioso, puro. Quelle nubi fan sembrare le tele e i murali un cielo dove le rondini modulano il loro gorgheggio fresco e senza fine; nei ricordi restano il colore, la luce, un forte e sentito ideale. La vita, allora, diventa piena di una gioia segreta ed è un piacere cogliere il battito di un cuore che ci si avvicina colmo di raggi caldi e generosi. Se noi potessimo sentir pulsare il suo cuore, lo troveremmo incredibilmente lirico. Anna Galassini ha un dono naturale che esprime con un’ardente volontà di perfezionamento, non mercanteggia l’animo, crede nel suo lavoro, ed è per questo che merita il nome di artista. Pittore (o pittrice) non è un uomo (o una donna) che fa immagini, è un uomo ( o donna) che crea suggestioni ed in quella capacità non c’è mestiere- non si è mai visto un cardellino vendere il suo soave chiacchierio, né il merlo chieder ascolto per il suo primo canto mattutino al sole che ancora non si leva. Se ho ben capito, Anna è grata se le è consentito di conservare la gioia onesta della sua arte. Il linguaggio del colore è universale, come quello della musica e della poesia. La pittrice padroneggia con vigore e maestria sia il colore ad acqua che l’olio e l’acrilico, tecniche esercitate negli anni di studio presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia. Ho l’impressione che conosca ciò che sta dietro i fondali della vita; son le frange, le sfumature dell’esistenza che possono esser dette solo da chi “osa”l’arte, poiché esse rivelano le nostre più intime disposizioni. Ciò che risalta, nei dipinti di Anna, è un lirismo schietto e spontaneo, estraneo a virtuosismi; le sue opere mantengono incanto e mistero, melodie che eludono l’armonica freddezza. Traccia segni e colori come se dovesse esprimere un canto, una voce, con naturalezza e freschezza; sembra, ad un occhio distratto, che s’abbandoni ad inutili barocchismi, guardando però con maggior attenzione si nota che la pittura è direttamente rivolta verso l’interno e che la pittrice non si avvale di alcun espediente che non sia la sua piacevole sensitività. La quale, però, non è frutto di sistematicità, Anna non isola né rinserra una scoperta propria, come se volesse per sé sola un frutto qualsiasi, lei apre e diffonde le sue scoperte e il frutto è il mondo. La pittrice ha notevole ricchezza coloristica, a volte anche manierata, (soprattutto quando vuol enunciare con accentuati svolazzi il dinamismo di figurazioni che hanno un carattere secondario) ma il suo manierismo non è mai eccessivo. Le tinte ricordan la primavera che accende la natura, ed Anna ha la fortuna di possedere una “voce” di giusta sonorità, con profonde risonanze interiori. Pare di incontrare il dio romano “Vertunnus”, elogiato dal poeta latino Properzio, divinità che si aggira per le rupi e riposa in tranquilli specchi d’acqua- singolare coincidenza, nei paesaggi spaziati della Galassini il verde è uniforme, ancora intriso di ombre notturne; il primo raggio di sole pone lievi pennellate malvacee, mentre il cielo rigato di nubi sospese trascolora all’orizzonte. I tramonti stremano e ci fan smarrire; sopra un cielo di crepuscolo, scuro allo zenit, più chiaro all’orizzonte, solcato da cirri leggeri e affusolati, indica un paesaggio sospeso ad un incantesimo, immobile ed astratto. Le creazioni dello spirito sono più vive della materia, scriveva il poeta Charles Baudelaire. Anna Galassini vuol portarci in una dimensione di simpatia con le sue opere, sembra che voglia sedurre la nostra sensibilità e disorientare la ragione, sollecitando la nostra oggettività e soggettività. Mi chiedo da dove possa scaturire tale impeto di fantasia vitalistica; i suoi quadri sono realtà a sé, non son forme definite ed effettive, così diversi e distanti da esperienze quotidiane e da esperienze artistiche anteriori. Ho pensato, in prima istanza, ad incontri con l’informale, con un astrattismo non geometrico, poi mi son reso conto che hanno prossimità con l’astrattismo lirico, connotato però da legami a forme riconoscibili, incerte e vaghe come le figure del dormiveglia. Per analogia o vagabondaggio retorico, posso accomunarle al simbolo del germe che, nascosto, un giorno solleva la crosta del terreno per compiere il suo ciclo meraviglioso. I dipinti di Anna son sentimenti portati in presenza, sentimenti che nessuna lingua ha mai creato, sentimenti che costituiscono il nostro presente e , pur sempre uguali, son sempre nuovi, benché sfuggenti. Custoditi nella nostra intimità, si presentano al ricordo ogni volta in modo diverso. Anna non vuole dare l’illusione del reale per contentarsi di raggiungere gli stereotipi, distribuiti un po’ meccanicamente, al contrario, cerca sviluppi inattesi, e canta per noi con la sua voce estesa e sommessa. Nulla svaria più dell’incanto cui la pittrice vuol farci partecipi, nulla rende più attraente l’ora dell’agio e del riposo. La fantasia finisce per plasmare il mondo nella forma che gli esseri umani lo percepiscono, e se la realtà non risponde a questa percezione la si potrà modificare quando necessario. Anna Galassini con le sue creazioni ci offre questa ulteriore possibilità, con i suoi tocchi soffici e piumosi, con slancio, brio e vivacità, per vie di un cromatismo garbato, senza inutile sfarzo o compiacimento. Propone soggetti decorativi con uno stile non del tutto convenzionale, fa capire le sottili malie seduttive dell’arte, medium che aiuta lo spettatore a riflettere su se stesso, e lo induce a scendere sollecitamente in quel punto della sua geografia interiore dove si adunano e raccolgono i fatti della vita che meritano di essere ricordati. Anna crea forme a tenue, ondato rilievo con fantasiose ideazioni di ricami lineari composti di curve, piega come giunchi le figure, le case, gli alberi, le avvolge di aggomitolate pieghe cromatiche. Riesce però ad animare di vibrazioni la materia ed il rilievo acquista forma aggraziata e sensitiva. E’ naturale, infatti, istintiva, la tendenza alla grazia, grazia semplice, non corrosiva, fine ed elegante. Il particolare è allontanato, l’unità delle masse risulta infrangibile e, anche quando sfalda la forma, per comunicare ad essa una qual irrequietezza, sopravviene un voluto controllo, in “virtù” di una espressione di acuta impressionabilità e di scattante sensitività. I suoi lavori, dipinti ad olio, acquarelli, murali, sembran paraventi fioriti, usa toni chiari, perlati, come gocce inumidite dalla rugiada. Tranquille son le atmosfere, Anna liquefa i colori più forti in ombre diafane, svela i topazi preziosi, i bianchi serici, i carmini, traverso un seminio di tinte intense e campiture estese. Nella chiarità lo splendore dei colori si accorda in sinfonie luminose, brillano le cromie nell’aria con limpido fulgore.I gialli sonori, diffusi, levano dalla scena un concerto di note squillanti. Sono note liriche per cantare la gioia di una primavera perenne, una specie di “marivaudage bucolico” che esala deliziosamente, come un’incredibile fioritura. Contemperamento di realtà e fantasia, di precisione e di lineare eleganza, tutto questo io trovo nell’arte di Anna Galassini, ed ancora tinte di velluto, forme calde di vita, movimento espresso per mezzo di decise spezzature di contorni, placide, colme di riposanti curve. Nei murali e nelle tende colorate, veli trasparenti come l’aria ialina dovuta a un cielo lavato, la leggerezza e l’agilità delle linee si uniscono a darci un’immagine raffinata, vicina al sogno o ad un ideale. Colore e luce dialogano in modo dialettico: il colore è l’elemento naturale, la luce è l’elemento immateriale che lo trascende. Anna ci porta in un mondo “altro”, le sue opere dan serenità, allontanano le angosce come un amuleto: l’infinito in un guscio di noce. Sicuramente la personalità della pittrice è suscettibile di ulteriori chiarificazioni che, penetrando nelle pieghe più intime della sua arte, consentano di assegnarle il posto che le compete nella pittura veneta del momento. Io trovo che un indescrivibile e ricco profumo emani tutt’intorno dai suoi dipinti, dai suoi murali, dai veli dai piedi di vento, che ondeggiano dolcemente come accarezzati da tiepidi soffi. Febbraio 2006 Gianmaria Fonte - Basso

Vediamo – in anna - certi nostri paesaggi. sì - nostri - perché li abbiam conosciuti da sempre - come certi archètipi che ci possiedono fin da bambini ma che forse - nella nostra distrazione di non artisti - non abbiamo avuto la voglia - od il tempo - di considerare. ma l’artista per noi lo sa fare. ed ecco apparirci come in sogno un sole radiante – ma non calcinante. non è il sole d’estate ungarettiano - che tinge le foglie d’un triste colore di rosa. Si tratta di un sole gentile - che sa riscaldarci senza farci abbrustolire. ed ecco apparirci un paesaggio di biondo frumento solcato nel mezzo da una lama d’un verde intensissimo: la falce verde della speranza che sa mieter le nostre inquietudini e vale a donarci la tranquillità. quella pace che tutti cerchiamo e che anna ci dona. e certi suoi blu profondissimi ci nascondono le stelle ma non come noi “esseri umani” di norma facciamo – noi che le diradiamo di notte in notte: l’avidità dell’uomo le sta spegnendo tutte - ad una ad una. anna sa bene che esistono - e il suo blu solo è forse protettivo - per farle sopravvivere per noi - nascondendole un momento. e lo stupore sempre vivo - si può dire fanciullesco? - dell’artista che contempla la natura - che si gode i suoi paesaggi - e vuole condividerli con noi. e li contempla - può darsi - da una postazione nascosta - nascosta a noi e al mondo. - questa siepe - che l’ultimo orizzonte al guardo esclude. ma non ci troviamo di fronte al pessimismo cosmico di giacomo leopardi. Ci troviamo di fronte al caldo, stupìto ottimismo di Anna Galassini. Bolzano, 8 marzo 2002